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viernes, 8 de junio de 2018

la crítica: JURASSIC WORLD El Reino Caído

Juan Antonio Bayona tiene una carrera meteórica que le ha llevado a Hollywood. Fan declarado de Spielberg vuelve a usar a su musa Geraldine Chaplin en un papel hecho a su medida.
Esta es una película de encargo, pero con su sello personal grabado a fuego. La acción es trepidente, bebe de las fuentes de la doctrina Lucas (esto es: la segunda parte debe ser mas dura, mas oscura y con un final abierto).
Bryce Dallas Howard abandona los tan criticados zapatos de tacón de la primera y vuelve a ser la protagonista, mas en esta que en la anterior. Eclipsa a Chris Pratt en la mayoría de las escenas.
Y hablando de Pratt...recupera el peronaje de Owen, una suerte de Indy meets Han Solo, donde tan cómodo se encuentra. Este Star Lord de guardianes, ahora terrestre, luce unos kilitos de mas, que no le impiden dar la talla en las escenas de acción. Muy divertido en la cómicas donde se desenvuelve con mayor soltura.
Pero no nos engañemos amigos, la estrella de la función es Juan Antonio Bayona. Siento deciros que este es su obra culmen, su canto del cisne, lo que significa que a partir de aquí todo irá cuesta bajo.
Se mea sobre Infinity War. Tiene un ritmo frenético que no te deja respirar. Ahora entiendo lo que sintieron los futboleros cuando España ganó el mundial.
Orgullo de que en este país, un tipo humilde, que sabe mucho de clonación (tiene un hermano gemelo idéntico) nos haya regalado 2 horas de magia, que supera a la original y a las 4 anteriores juntas.
La mejor película de Steven Spielberg, no la ha dirigido Steven Spielberg.
Viva JUAN ANTONIO BAYONA
La nota...INFINITO

miércoles, 30 de mayo de 2018

La crítica: HAN SOLO

Nada bueno parecía estar sucediendo en el rodaje de esta película, estando muy avanzado el mismo despidieron a los directores Phil Lord y Chris Miller (La Legopelícula). Por lo visto estaba siendo demasiado cómica.

Trajeron al artesano Ron Howard para dirigir y a Lawrence Kasdan para reescribir el guión.
Vamos por partes.
Lo primero es la elección del actor que encarnaría a Solo, Alden Ehrenreich (Ave César). Un buen actor, que no se parece en nada a Harrison Ford, salvo en la sonrisa, el director explota el plano de Solo sonriendo hasta la saciedad.
Si en "Rogue One" vimos a una joven princesa Leia por obra y gracia del cgi ¿Por qué no se rodó esta película con el propio Harrison Ford rejuvenecido digitalmente? O en su defecto, cualquier actor que se le pareciera mínimamente. Alden copia la postura al disparar, la sonrisa y poco mas. Este no es Han Solo. Y con unos cimientos tan endebles toda la casa se desmorona.
Lo segundo. Es un film muy oscuro, 3/4 partes del mismo trascurren de noche. La primera película de una franquicia como esta debe ser mas mas luminosa, la segunda mas oscura y la tercera debe ser la brillante redención.
El guión es muy simple y no le da una motivación real a Solo, ya que recupera a su love interest demasiado pronto, por no hablar de Chewbacca buscando a su familia como el especial televisivo navideño de Star Wars que del que tanto reniega George Lucas y todos los fans de la saga.
Daeneris Targaryen orbitando en toda mala película que se estrena, muestra una ambigüedad oscilante, dice que le duele el alma pero no nos engañemos, carece de el.
Woody Harrelson está todo el rato pensando "What?"
Lo bueno: Fuerteventura en Star Wars, Warwick Davis de nuevo con Howard y Donald Glover eclipsando al Lando original.
Un film olvidable, una mala experiencia.
La nota: un 3


martes, 22 de mayo de 2018

La crítica: DEADPOOL 2

Ryan Reynolds retoma su papel mas icónico en Deadpool 2, eso es siempre una buena noticia. David Leitch (John Wick, Atomic Blonde) asume aquí el rol de director. Esta también es una buena noticia. Entonces ¿Qué puede salir mal? Pues básicamente que la autoparodia elevada a la enésima potencia a veces puede resultar un poco onanística cuando no se le pone límites a la burla autorreferencial.
Morena Baccarin vuelve a ser su love interest y Thanos Brolin es Cable, un viajero del tiempo que pondrá en apuros a nuestro héroe.
La película en sí no es mala, pero carece de la frescura de su predesesora, la repetición de algunos chistes es demasiado evidente, además la x-force que era uno de los mayores atractivos de esta secuela, queda reducida a una sola escena.
En esta cinta pasa algo que también vemos en las de Pixar, donde las escenas postcréditos son mejores que la película en sí.
Mención especial a la banda sonora, que se convierte en un personaje mas del film.
Un 6

lunes, 21 de mayo de 2018

La crítica: THE POST

Steven Spielberg dirigió en 2017 este thriller político que narra uno de los momentos más oscuros de la historia del gobierno norteamericano.
The Post cuenta básicamente la defensa de la directora y el editor del Washington Post, interpretados por Meryl Streep y Tom Hanks respectivamente, por publicar los papeles que revelaban la ocultación de los verdaderos motivos que llevaron al gobierno estadounidense a la guerra del Vietnam y mas aún, que conocían que no podían ganar aquella guerra. Esto supuso  la antesala del Watergate, con la consabida dimisión del presidente Nixon.
Pienso que Spielberg opurtunistamente traza un paralelismo entre la relación que mantiene Donald Trump con los medios de comunicación que es muy parecida a la que mantenía el propio Nixon.
Streep es Dios. Porque Dios es mujer. Esta mujer clava la inocencia, la bondad de una señora que hereda el cargo en el Post tras la muerte de su marido, al mismo tiempo que plasma a la perfección los manejos que hacía para mantener el equilibrio en un mundo de hombres, en una época en que la mujer era mucho peor tratada que en la actualidad.
Tom Hanks es el editor del Post, que lucha por conseguir una copia de los papeles del Pentágono y luego defiende su derecho a publicarlos. Lo que juega en contra de su interpretación es una imposible peluca que hace que te fijes demasiado en su añadido fake que logra distraerte de su interpretación. Aún así, consigue mantener el tipo ante la todopoderosa Streep.
Spielberg vuelve con fuerza, sin llegar al nivel de Alan J. Pakula en "Todos los hombres del presidente" aunque si que consigue realizar un filme que sirve como precuela/complemento de la obra maestra del tándem Hoffman/Redford.
Lo peor: el abuso del cgi mal implementado para representar exteriores de la época así como unas caracterizaciones demasiado aparatosas y perturbadoras.
Un 8

jueves, 10 de mayo de 2018

La crítica: BLACK PANTHER

Pantera negra es un superhéroe que bebe de las fuentes de The Phantom (ver película con Billy Zane como protagonista) de hecho captura toda su mitología africana, también es un título heredado de padres a hijos, pero por fin convierte al héroe en negro, perdón, marrón, quiero decir de color, de color oscuro, vamos, afroamericano (cuesta mucho ser políticamente correcto en estos días).
Unos toques de James Bond. Su hermana hace las veces de Q, el agente que le da la tecnología a Bond y aquí todo queda explicado a través del Vibranium.
El metal del escudo del Capitán América proviene de este mineral de origen extraterrestre, caído en África, en Wakanda, un país que ha crecido en una distopía tecnológica que ha permanecido oculta para el resto del mundo hasta la actualidad.
Por otro lado Killmonger (Michael B. Jordan) quiere revelar Wakanda al mundo.
Y volvemos a tener una tragedia Shakespeariana en Marvel. Traiciones, asesinatos, etc , etc.
Ryan Coogler, que ya dirigió a Jordan en Creed, hace una labor fantástica en explicar las motivaciones del villano, además muestra un elenco de actores no caucásicos (para ahorrarme la descripción étnica anterior) sin parangón. Angela Basset es la madre del protagonista, pero es que tenemos tambien a Forrest Whitaker  ya Lupita Nyong'o. Todo un lujo.
Chadwick Boseman sigue estando imponente como Black Panther. Absolutamente perfecto, pero B. Jordan le roba muchas escenas a causa de un guión engañoso escrito por el propio director.
No es perfecta, es muy buena, de hecho sinpatizarás tanto con las razones del malo que odiarás al bueno por ocultar Wakanda al mundo.
Ryan Coogler descuida muchísimo los efectos visuales, con un cgi que canta por todos lados. Una África fake, y unos héroes que no se sienten visualmente orgánicos.
Podría ser un 10 pero se queda en un 8 justito.



viernes, 4 de mayo de 2018

La crítica: AVENGERS Infinity War

Cuando los hermanos Russo afrontaron este proyecto sabían que tenían que alejarse mucho del fiasco que supuso Age of Ultron. ¿Lo han conseguido? Por supuesto que sí.
Estamos ante la mejor película de Marvel hasta la fecha superando por poco a la Avengers original.
Hay que tener en cuenta que aquí confluyen personajes que tienen su propia saga cinematográfica y que nunca se habían conocido, por ejemplo Los Guardianes de la Galaxia.
Esta no es la máxima virtud que tiene esta tercera entrega de Los Vengadores, pues como hiciera Joss Wedon en la primera, los hermanos Russo enfrentan a nuestros queridos héroes para que se conozcan y salpican las batallas con los "chascarrillos" típicos de los comics. Incluso se permiten repetir el chiste con el acento inglés de Thor, aunque aquí, al estar doblada al castellano, queda diluido en una burla de Star Lord hacia el dios del trueno. Este tipo de humor funciona siempre mejor en versión original.
El film es engañoso pues estamos ante una pseudo pelíula monográfica de Thanos. Esta sí que es la mayor virtud de Infinity War.
La doctrina Bond. Así llamo yo a las películas que siguen la escuela en la que el villano y sus motivaciones son tan o mas importantes que los héroes del film. Esto es lo que pasa en esta cinta, donde la omnipresencia de Thanos, magníficamente interpretado por Josh Brolin, hace que comprendamos que no es un loco, sino un visionario.
No quiero hacer spoilers, sólamente diré que Infinity Wqr tiene el mejor final abierto (con permiso del Imperio Contraataca) de la historia del cine. Nadie está hablando mal de la película, porque es perfecta, y como tal, le doy un
INFINITO.

domingo, 22 de abril de 2018

La crítica: Un Lugar Tranquilo

Michael Bay (Transformers), de vez en cuando produce buenas películas de terror. Estamos ante uno de esos casos.
"Un Lugar Tranquilo" es el debut en la dirección del actor John Krasinski, que interpreta al protagonista junto a su propia esposa en la vida real, la fabulosa actriz Emily Blunt.
El guión esta escrito está escrito por 5 diferentes autores, entre ellos de nuevo, el omnipresente Krasinski.

Durante la primera media hora no escuchamos nada. Asistimos a una familia con niños que se las ha ingeniado para no emitir ningún sonido, porque los monstruos del film son ciegos y solo atacan a las personas que emiten alguno. Para mas inri, la hija de Krasinski en el film es sorda, con lo que no puede saber si está haciendo ruido o no.
Viven en un pueblo desolado donde a penas quedan habitantes.
La cinta tiene uno de los comienzos mas impactantes de los últimos diez años, con un ataque que resultará devastador para la familia protagonista.
El silencio es el actor principal.
La habilidad de Krasinski para mantener el interés sin haber casi nada de diálogo es asombrosa. Todo el mundo intentaba no emitir ningún sonido durante la proyección a la que asistí.
La música y los efectos sonoros son también vitales, son un personaje mas en la trama. El monstruo sigue la doctrina "Tiburón" que es no mostrarlo del todo hasta el final.
Krasinski mantiene el suspense como un verdadero maestro. No parece para nada una obra inmadura, muy al contrario está a la altura de los grandes maestros del género como Raimi o Hopper. Habrá que seguirle la pista al Krasinski DIRECTOR.
Además dirige como nadie a su esposa, esto para alguien que se ha separado parece una verdadera utopía. Bien por tí John.
La película no explica como llegaron ni de dónde, habrá secuela, pronto sabremos mas.
¿La nota? 9,85 (periódico puro).




viernes, 29 de septiembre de 2017

la crítica: LA MOMIA

Con un presupuesto de 125 millones de dólares y una recaudación mundial de 407 millones, aún no entiendo como hay gente que la considera un fracaso económico.
Bebe mucho del macabro humor de Un hombre lobo americano en Londres, cuando su amigo muerto se le aparece al protagonista para guiarle en su misión.
Alex Kurtzman, alumno aventajado de JJ Abrahams, debuta como director de una superproducción de Hollywood en este reboot de La Momia, donde la historia se traslada a la actualidad en un intento de empatizar con la juventud millennial.
Tom Cruise es un mercenario ignorante que junto a Jake Johnson no paran de meterse en líos.
La película forma parte del reinicio de las clásicas Monster Movies de Universal rebautizado ahora como Dark Universe. Por ello no es extraño ver al doctor Hyde, interpretado en esta ocasión por el orondo Russell Crowe.
Annabelle Wallis, casi 30 años mas joven que Cruise, es la chica de la película. Deberían revisar estos detalles, la edad media de las últimas parejas de Cruise en el cine no sobrepasa la treintena.
Sofia Boutella es La Momia. Despachan su historia en un breve flashback de 30 segundos. Me gustaría que el metraje hubiera sido mas generoso con los orígenes del monstruo, pero Tom Cruise es la estrella y todo orbita alrededor del protagonista, en detrimento de la solidez del film.
Boutella ya no es un descubrimiento. Atomic Blonde, Star trek 3, etc, es una estrella incipiente, una supernova a punto de lograr su máximo esplendor.
Mención especial a la originalidad de escenas como la de las momias sub acuáticas.
La crítica ha destrozado el film, lo comparan con la trilogía de Brendan Fraser, obviada por completo en este reboot...
En cierta manera supera a la anterior trilogía porque el carisma de Cruise es innegable, entonces ¿Qué es lo que falla? Pues precisamente eso. No existe química entre la pareja protagonista. Wallis no es Weitz, pero no es culpa suya. Le han dado demasiado metraje a la relación del personaje de Cruise con el de Boutella, olvidando por completo la historia de amor entre los protagonista, que era precísamente lo que alimentaba la anterior trilogía.
Las escenas de acción son divertidas y frenéticas, pero no pasa de ser un intento fallido de monster movie, donde el hastío en el desenlace de la historia se hace patente en el incierto estado en que acaba el protagonista, convertido en algo que no se esplicita y que marca el desdibujado carácter de la totalidad de la cinta.
Un 6, pasable.

miércoles, 13 de septiembre de 2017

la crítica: BARRY SEAL

Doug Liman y Tom Cruise, que ya coincidieron en "The Edge Of Tomorrow", vuelven a hacer equipo en esta "American Made" que aquí han rebautizado como Barry Seal.
Estamos ante una historia real que supera a la ficción.
Cruise es Barry Seal, un piloto que entre los 70 y principios de los 80 voló para la C.I.A., el cartel de Medellín y la Casa Blanca. Haciendo mucho dinero con todos estos trabajos. La estrella abandona su zona de confort, sube unos diez kilos de peso y se convierte en un canalla simpático. No es que destaque demasiado, al contrario y sin que sirva de precedente, se convierte en un jugador de equipo y no eclipsa a sus compañeros. Simplemente sirve como vehículo conductor para que conozcamos un relato donde nadie es inocente. Una oscura etapa de la reciente historia norteamericana donde todos quedan retratados como mercenarios al servicio de sus propios intereses.
El "Goodfellas" de Liman. Como si hubiera sido poseído por Scorsese nos encontramos con la obra mas personal y alejada del mainstream de la filmografía de este irregular director.
Cámara en mano y con guerrilla style, nos sumerge en una época distinta, directa, dura. No hay espacio para la ambigüedad, cada uno va a lo suyo y no hay tiempo para el romanticismo ni el amor.
Una película rodada casi por en entero en exteriores, con un estilo independiente que rápidamente te hace olvidar que estás asistiendo a un espectáculo, pasando a ser una experiencia hiper inmersiva donde no hace falta que te identifiques con el protagonista, porque Cruise es Barry y tú solo estás ahí dentro para ser testigo de algo que si te lo cuentan pensarías que es mentira. Pero sales del visionado de la cinta con la impresión de haber sido un viajero del tiempo, dentro de la historia, que debe permanecer en silencio y no tocar nada para no alterar el continúo espacio-tiempo.
Doug Liman hace uso de múltiples recursos para generar esta sensación, por ejemplo, la música, que es un personaje mas en la historia.
Otro elemento utilizado es convertir a Cruise en la antítesis de un caballero educado y de buenos modales que normalmente representa, haciendo que nos haga un "calvo" (literal) como muestra de que este Barry Seal es un tipo sin vergüenza al que le mueve la ambición y que pone en riesgo a su familia en múltiples ocasiones solamente porque es un adicto al dinero.
La nota es un 8. No es un diez porque aunque le queda bien la hiper realidad de Scorsese, echo de menos que un tipo con una carrera tan dilatada como Liman, no encuentre su propio estilo, su seña de identidad.


martes, 5 de septiembre de 2017

la crítica: BLEED FOR THIS

Vinny Pazienza es un boxeador ya retirado pero este es el biopic de su vida.
Miles Teller es uno de esos jóvenes actores que ha elegido muchos papeles comerciales intrascendentes. De vez en cuando le ofrecen guiones como "Whiplash" o este "Bleed for this" sin ir mas lejos, y no puede desaprovechar la oportunidad de bordarlo.
Pazienza no es un boxeador al uso. Después de ganarlo todo en su peso, cae en desgracia y tiene que subir dos categorías para adaptarse a un cuerpo que ya no es tan delgado ni tan ágil como antaño.
Cuando ya ha conseguido adaptarse y empieza a ganar combates, sufre un accidente que le obliga a abandonar ¿definitivamente? su profesión. Bleed for this significa sangra por esto. De eso trata este film, de que lo que deseas, si de verdad merece la pena...te hará sangrar por ello.
No demasiada gente lo sabe, Teller tuvo también un accidente en su juventud. Tiene múltiples cicatrices en su rostro, y al igual que a Vinny, también le dijeron que se retirara. Solo su tozudez y su talento le han permitido llegar a donde ahora mismo se encuentra.
 Que Miles Teller es un buen actor dramático no es una novedad. Aquí se aplica la doctrina Tom Hanks, que reza de la siguiente manera: un gran cómico es por extensión un gran actor dramático. Porque hacer llorar es difícil, pero hacer reír es doblemente complicado.
Teller nos ha hecho reír en múltiples ocasiones, pero aquí adelgazó 15 kilos para luego engordar 20 de puro músculo. Se mueve como un boxeador, pega como un boxeador, se transfigura en Vinny Paz hasta olvidarnos de el actor de Divergente y retrotraernos a la dureza de Whiplash.
Aaron Eckhart es el tapado de la función. Interpreta al entrenador de Vinny. Engorda 20 kilos de donuts y bollería industrial, se rapa como si fuera calvo y huye así de su imagen de galán hollywoodiense, tanto es así que tuve que mirar los títulos de crédito para saber quien era ese actor que me resultaba tan familiar. Que gran casting, que buena película.
El mérito debe ser asumido en gran parte por el semi debutante en la dirección Ben Younger, que también escriben el libreto de la cinta.
Younger se aleja del arquetipo impuesto por  Rocky y se aproxima mucho mas al The Boxer de Jim Sheridan. Dando especial importancia a los sentimientos sin convertir al héroe en un dios. Vinny es humano y comete errores, pero eso hará solamente que te identifiques mas con él.
La nota de Bleed For This es un 9. Yo habría esprimido mas la actuación de Teller. Él es capaz de mas, Younger no es Damien Chazelle y se nota.

viernes, 1 de septiembre de 2017

la crítica: LA SEDUCCIÓN

Una breve sinopsis. Durante la guerra civil americana, un Yankee herido busca ayuda en un internado sureño para señoritas. Pronto se enamorarán de él.


Sofía Coppola vuelve a dirigir. Esta vez adapta la novela Beguiled de Thomas P. Cullinan, ciertamente con poca fortuna. Es la segunda vez que esta novela se lleva a la gran pantalla, pero el clásico de Don Siegel de 1971 poco tiene que ver con esta  pretenciosa cinta donde rige el sempiterno tedio habitual en casi la totalidad de su filmografía. Está claro que no aprendió de su padre que el Tempo es parte del lenguaje cinematográfico.
Es destacable el preciosismo de sus imágenes, el vestuario, la ambientación en general y poco mas, porque donde acaban sus escasas virtudes comienzan todas sus carencias.
Hay un error de base, la elección de Colin Farrell como protagonista. Es un gran actor, pero tiene un acento irlandés demasiado marcado. Esto se resuelve siempre explicando que su personaje es un emigrante procedente de Irlanda. Pasa en todas sus películas.
Luego tenemos que Coppola se esfuerza en dotar a este film de una belleza formal sin tacha alguna y obvia por el camino que al público hay que nutrirlo y entretenerlo.
Esta cinta fracasa en el segundo de los mencionados propósitos. Tiene un comienzo potente disfrazado de thriller psicológico, un nudo interesante con amputación incluída...y un desenlace descafeinado que empaña la totalidad del producto final.
Como siempre, Sofía se vale de las mejores actrices a su disposición, donde destacan Nicole Kidman, Kirsten Dunst y Elle Fanning, que representan a tres generaciones de la mujer sureña contemporánea. Cultas, bellas, inteligentes y sin marido...por avatares de la guerra.
Las tres caen prendadas de los encantos del personaje de Farrell.
Todo apuntaba a que habría una conjura de las rechazadas por su personaje contra él mismo, pero no olvidemos que Sofía Coppola antepone sus aspiraciones artísticas a lo que debe ser una buena película, y esta, amigos míos, simplemente, no lo es.
4

miércoles, 16 de agosto de 2017

La crítica: ATÓMICA

Este film está basado en la novela gráfica
"The coldest City". Una breve sinopsis. Berlín, año 1989, el muro está a punto de caer, una espía es interrogada por sus superiores sobre una misión fallida.

Tenemos a John Goodman interrogando a Charlize Theron. Vaya actor, no necesita el histrionismo para expresar miles de emociones. El rey del menos es mas. Impecable.
Eddie Marsan es el portador de la lista. Quien siga la serie Ray Donovan, donde es el hermano del protagonista, sabrá que es un señor de la escena. Cada movimiento de sus ojos es un aleteo de mariposa que causa huracanes en el interior de cada espectador.
James McAvoy, hay personas que le han descubierto en la magistral "Split", pero somos mas los que le seguimos desde que era un Fauno en Narnia. Otros pocos lo hemos visto en directo en Londres, en la obra cumbre de Shakespeare "Macbeth". Como siempre, sublime, no hay sorpresas.
Aquí interpreta al compañero y a la vez rival de Theron.
Charlize Theron es la protagonista. Una suerte de Jane Wick, mezclada con la Nikita de Besson.
No llega a los niveles de compromiso de Keanu Reeves ejecutando sus propias escenas de riesgo, pero es que esta película está mas equilibrada que la ópera prima de David Leitch. Su personaje me recuerda a dos personas que he conocido últimamente. Personas que en su afán de ocultar sus sentimientos, se olvidaron de quienes eran, perdiendo su humanidad por el camino...
Aquí tenemos acción, tenemos guión, tenemos interpretaciones sucias, reales, descarnadas.
Estudiarán la métrica de esta película como si de  poemas del medievo se tratara.
Hay un homenaje a la escena del taxi de Deadpool, otro  a la Nikita de Besson al final del film, muchos a John Wick, pero no te confundas, esto es sucio, es real. Duele, pero a veces ese dolor es el que te recuerda que estás VIVO, y en  esta película sientes el dolor de sus personajes.
Atomic Blonde tiene frases lapidarias que aún resuenan en mi cabeza: "no se puede desjoder lo que ya está jodido" es una de ellas.

El director. La progresión de David Leitch desde su época de actor y stuntman, hasta sus  películas como director, es absolutamente sorprendente. Destacando John Wick, pero es que esta Atomic Blonde es pura adrenalina,
Hay planos secuencia donde la cámara pasa por sitios imposibles, donde la sorpresa se adueña del respetable. Aún tengo que verla dos o tres veces mas para asimilarla del todo. ¿Me acompañas? ¿No? Igualmente ve a verla.
Atómica no te va a dejar indiferente.
La nota: DIEZ